Una noche, a altas horas de la madrugada, visité el estudio donde Psychic TV estaban grabando Dream Less Sweet. Había un track de música que no tenía aún letra. Genesis estaba muy exhausto y me preguntó si yo podía escribir cualquier cosa; escribí en dos minutos la letra de Catalan, iba acerca de mi experiencia en un accidente automovilístico. Enseguida grabamos, una sola toma, mi voz encima de la música. No sabemos qué hicimos realmente con la grabación, pero varias semanas después, TVE nos invitó a filmar una especie de recreación onírica de mi accidente automovilístico inspirada en esta canción, dirigido por el cineasta inglés Derek Jarman en Cadaqués, con el mismo auto del accidente, ocurrido solo dos años atrás. Localizamos el carro en un desguace: todavía conservaba rastros de sangre en su interior."

Jordi Valls, 1983.



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Entrevista con Jordi Valls

Richie Hawtin tiene dos dones. Es un genio de la música electrónica y de la tecnología. La importancia y la trascendencia de lo que él hace no se puede explicar con palabras. Pero él lo hace. Así que es justo y necesario otorgarle un gran don que englobe los anteriores y los que, seguramente, están por conocer. El de la comunicación. Richie Hawtin comunica a través de la electrónica y a través de sus máquinas un mensaje tan importante como simple: que la música es una de las cosas más importantes de la vida.De ahí, se desgranan mil y un detalles vitales: inspiración, creatividad, personalidad; encontrar en la música sentido a lo que uno es y a lo que quiere hacer. Richie Hawtin es uno de los artistas de techno más importantes, masivos y decisivos pero es, también, Plastikman. El que ha sido considerado su alter ego más oscuro y responsable de sus creaciones musicales más raras y underground es una parte indisoluble de su personalidad y la que le ha impulsado a hacer algo que nadie había hecho en la electrónica antes: recopilar 20 años de música en “Arkives”, una compilación faraónica de los álbumes de Plastikman, de imágenes, de recuerdos. Esto es Historia. No sólo lo que ha hecho Richie Hawtin, también esta entrevista. Como el gran comunicador que es, Richie sujeta las palabras importantes que van saliendo en la conversación y las repite cuando es necesario. Los tatuajes de sus brazos se mueven desvaídos bajo ropa de color negro, recordando que hay historias increíbles por todo su cuerpo. Esto es Historia.

Hace unos años, durante una entrevista previa a una sesión en Macumba, me dijiste muy convencido que hacer directos como Plastikman era algo que no creías que fuera a suceder. Decías que se parecería mucho a un concierto de pop, que la gente esperaría que sonasen los hits... y que eso no te gustaba.Y aquí estamos... ¡Con las canciones famosas! [Risas]. 

No es difícil. Es bonito y muy emotivo. Una parte de ti descubre material, tanto sonoro como gráfico, que ni siquiera recordaba. Otra parte empieza a rememorar historias y más historias... Escuché todas las grabaciones, leí mis notas... Y recordé. Fue genial. No es solo viajar atrás en mis recuerdos, me ha permitido dar un paso gigante en mi presente y saber quién soy y en qué punto estoy en 2010. Tú que eres española sabes cómo ha crecido mi popularidad allí como Richie Hawtin y cómo mucha gente sigue mis actuaciones por los clubes. Lo que muchos no saben o sabían es que Richie es también Plastikman, indisolublemente; y ahora lo pueden conocer. También es el momento para los fans de siempre de hacer este viaje conmigo: escuchar todos los álbumes, descubrir material nunca publicado y sentir la historia completa. Pero lo que más me emociona es pensar que cuando todos -los fans nuevos y los antiguos- escuchen mis Arkives, estarán todos en el mismo punto. Es excitante. Y eso me hace pensar en el siguiente paso: un nuevo álbum con un mismo punto de salida para todos. Me imagino descubrir a Plastikman ahora y poder escuchar todo de un tirón y me parece súper emocionante. Es lo que me gustaría que todo el mundo sintiera. Que empezaran poniendo “Sheet One”, y luego “Musik”, y luego “Recycled Plastik”, y así hasta el final y que lo siguiente que digan es: ¡Joder! [Risas]. Y que piensen: “Ahora sé quién es Richie Hawtin”.



Eso pasará con gente muy joven y es genial. Pero me hace pensar en los adultos que han vivido la evolución de Plastikman, álbum a álbum. ¿No crees que la música electrónica tiende a expulsar de los clubes al público más mayor? En una sesión de techno es raro ver a adultos. Y los que siguen allí terminan pareciendo tíos raros... ¿Qué opinas? 
Me encanta que los artistas de electrónica utiliceis la palabra “viaje”. 

Espero que también sirva para demostrar su fuerza, realidad e importancia a los que siguen sin creer que es “música”.
Todas esas personas que no se toman en serio la electrónica, que se niegan a ver su integridad y el trabajo continuado y esforzado de sus artistas, aquí tienen una pequeña muestra de dos décadas. A la vez, me gustaría que resultara inspirador y que dé ganas de hacer nuevas cosas. Una de mis grandes misiones es hacer bailar, pero también me gusta pensar que ayudo a encontrar el camino. Que mi música provoca ganas de crear, en definitiva. Gran parte de mis mejores ideas las he tenido en sesiones, la verdad. La música electrónica te conecta especialmente con tu lado más emocional y te da libertad para descubrir más cosas sobre ti mismo. Cuando eres joven escuchas música con la que te identificas, sobre todo con los versos. Música que te hace sentir feliz, triste... Que te afecta. La música es una de las cosas más importantes de la vida.

¿Eres nostálgico?
La nostalgia me da miedo. Me asusta pensar con benevolencia en el pasado por si eso me impide avanzar. Conozco tanta gente que ha dejado de progresar por acomodarse... Ha dejado de ir a clubes, de comprar discos, de escuchar sesiones... No quiero que me pase eso. Temo que si miro mucho al pasado me ancle en él. He pasado un año viviendo en el pasado, pero he sacado mucha inspiración y motivación para el futuro. Eso me hace feliz.

Es una buena pregunta. Si tuviera que elegir entre qué prefiero, si vinilo o cd, elegiría el vinilo porque es parte importantísima de mi historia. Pero, en lo que se refiere a Plastikman, solo le veo sentido para canciones sueltas. Me gustaría que la gente escuchara cada álbum de principio a fin. Y eso no se puede hacer con vinilo. La experiencia completa es en cd. Durante 77 minutos estás en mi mundo y no tienes que preocuparte por cambiar la cara del disco.

¿Cuáles dirías que son los tres hitos de la Historia de Plastikman?
El primero, Detroit. Por la ciudad, los sentimientos, mis amigos, la libertad que experimenté con mi sonido. El segundo, la Roland TB-303 Bassline y la Roland TR-606, dos máquinas que justo en el momento en que las encendí en el sótano que utilizaba como estudio en la casa de mis padres me hicieron decidir que iba a componer un disco con ellas; días más tarde nació “Sheet One”. Y el tercero, bailar en 1992 con la música de Derrick May. Tenía 22 años. Pero Derrick siempre ha sido muy importante para mí. Con 19 le conocí en un programa de radio y me dio uno de sus discos. Ese encuentro me hizo sentirle muy cerca, y más cuando llegue a casa y puse su álbum. Hasta ese momento, los DJs como él habían sido dioses; ellos estaban muy alto, yo abajo, mirándoles. Pero Derrick fue muy cercano y lo cambió todo. Me inspiró, me dio energía.

¿Antes de los sintetizadores tocaste algún instrumento tradicional?
No. Bueno, sólo en el colegio, donde teníamos que aprender saxofón.

¿El saxofón? ¡En España creo que sólo se toca la flauta en clase!
Las chicas tocaban la flauta, los chicos el saxofón. Mis primeros experimentos con la música fueron a los 16 años, cuando mi padres me regalaron un sintetizador muy simple por Navidad. No es que en aquel momento ya quisiera ser músico. Era más algo creativo. Eh, espera. ¡Me acabo de acordar que antes de eso mi madre me regaló una guitarra acústica! Pero nunca aprendí a tocarla. No podía. Quizá fue por eso por lo que luego me regalaron un sintetizador... Yo ya estaba flipado con los ordenadores, los videojuegos, me pasaba horas haciendo mis propios programas de televisión... Así que creo que entendieron que lo mío era más tecnológico.

Supongo que tienes un don. Recuerdo una portada de “Wired” con, probablemente, el mejor titular del mundo. Decía: “Richie Hawtin. Él entiende la tecnología”. Creo que no se puede expresar mejor.
Los niños hoy crecen totalmente rodeados por tecnología y están listos para vivir el mundo en su plenitud. Pero eso no le pasa a la gente que creció conmigo. Ha habido momentos en los que la tecnología me ha sobrepasado y tampoco la he entendido, pero siempre he estado un paso por delante. Aunque no entienda todos los detalles, veo un sentido global.

¿Por qué no das clases? Sería increíble.
Me encantaría. Creo que Arkives es algo así como mi primera clase para esta generación y las siguientes. Me gustaría mucho poder dar charlas sobre lo que hago y la importancia de la tecnología.

¿Y tú que has aprendido haciendo “Arkives”?
Me he dado cuenta de que tengo cierta responsabilidad de contribuir a que la música electrónica siga adelante. Quiero ver la escena electrónica creciendo. Esto me hace pensar que Plastikman siempre ha sido más popular de lo que debería ser; es una música extraña, definitivamente no es para todo el mundo. Pero, por alguna razón, ha tenido vida propia. Así que creo que tengo que aprovechar esta ventaja para hacer cosas diferentes. Sé que lo hago no es para todo el mundo, pero sé que es muy especial y quiero profundizar en ello todo lo que pueda.

Llegado un cierto momento de la vida todos necesitamos pequeñas transformaciones oxigenantes que renueven nuestras células y nos den el empuje suficiente. Algunas vienen forzadas a veces por desestructuraciones inconscientes tras un batacazo emocional, otras son simples reorientaciones mentales que cada cierto tiempo nuestros pequeños diablitos ordenan para salir adelante en situaciones de estancamiento. No estoy hablando de los yogures milagrosos que se anuncian en tv. A mí me aburre la repetición sistemática de algunas cosas de mi vida pero no puedo huir de la mayoría de ellas. En otras cosas sí puedo: elijo dónde y como quiero hacerlas. Imagino que Roberta Flack tuvo una llamada interior, quizá fuera exterior -su productor, su mánager, su marido-, y dio un giro a su carrera orientándola hacia el polo sur tras haber estado andando por el polo opuesto. Si no que alguien me explique como una señora que ha pasado 20 años de su vida grabando baladas smooth jazz, artísticamente de calado menor a pesar del éxito comercial, se arranca con este 12" de remixes. A su favor hay que decir muchas cosas también; giró años con Miles Davis y su voz es de calibre ancho. Muy ancho.

La canción original, producción del ubicuo superventas Quincy Jones, no es nada del otro mundo y tampoco es que yo sea un gran seguidor del garage house. Como esas había a patadas en esos años ochenta. Puede que el maxi tampoco sea la panacea -flojo Arhur Baker-, pero el remix de Steve Silk Hurley me parece brillante. Les dejo la descarga y pre-escucha.



Roberta Flack: Uh Uh Ooh Ohh Look Out (Steve Silk Hurley's House Mix)

Esta semana sale a la venta vía Rush Hour un maxi con cuatro temas, una simple reedición en vinilo, de Derrick May. Relics: A Transmat Compilation saltó a las calles en 1992 bajo el paraguas de Transmat y se agotó en un plis plas, dejando paso a una cantidad de prensajes falsos y de baja calidad casi siempre, si bien el sello italiano Buzz se llevó la palma con una colección de 27 canciones empaquetadas en un cd (también vinilo) lleno de interludios y snippets bien cortitos que guarda en cierta manera algún parecido con el orden y estructura de la piedra angular: Innovator. Bien, ese vinilo incluía una ristra de hits que conviene recordar; Carl Craig con la chaqueta Psyche, el mismo May con varios alias, Darryl Wynn, Jay Denham... fue, junto a The Final Frontier, el disco que despertó mi hambre de techno y que a la postre me llevaría a adquirir medio catálogo de Axis, Transmat o UR fulgurantemente. Por aquél entonces, sin más internet que un triste módem 28k, sin tiendas a las que acudir, sin prensa especializada, servidor no disponía acceso a todos los doce pulgadas que le hubieran gustado acaparar, así me uno se acercaba a los recopilatorios con cierta pasión y desconocimiento, si podía engullir más, mejor. En ese disco estaba este track.



James Pennington es posiblemente algo menos popular que May, Atkins y toda la tropa fundadora de la motor city pero su impronta ya estaba presente en Big Fun de Inner City, de hecho, sus primeras grabaciones datan de 1986 por lo que habría que considerarle siempre un primera espada. Mentor de Mike Banks, trabajó codo con codo con los más grandes, Eddie 'Flashin' Fowlkes, Juan Atkins y la troupe de Underground Resistance al completo, siendo el tour DJ durante unos años.

The Art Of Stalking aguanta el tipo en todo lo alto del pedestal en el que estaba tras dos décadas. Alinearlo cerca de Rhythm Is Rhythm no sería mala idea ya que comparte gran cantidad de recursos que también el autor de Strings Of Life calza de fábrica. Un diálogo de primera con robots en un futuro no muy lejano, donde el funk negroide se impone por KO técnico, mandando un mensaje de fuerza y oscuridad sin dubitar ni un solo milímetro. Un maxi que todavía puedes recuperar del mercado de segunda mano a precios asequibles.

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Suburban Knight: The Art Of Stalking (192kbps, 7.78MB)

Alemania en los 80 debió ser un país maravilloso en el que vivir. Tras toda la invasión y segregación kraut y la posterior incomprensión tecnológica de los primeros años de la electrónica popular, que sirvieron como quitamiedos al público rockero, vinieron desvaríos musicales altamente recomendables. Hablo, como no, de la neue deutsche welle; un paraíso donde la libertad, un trampolín hacia la fama (Nena, Falco, Trio, Nina Hagen...), en forma de new-wave campaba a sus anchas auspiciada por la gran creatividad que inundó el país. Después vendrían el Frankfurt beat, el techno de Colonia y otros tantos. Todos con momentos interesantísimos aunque me atrevería a decir que ninguno con la capacidad que tuvo la NDW para disparar balas en forma de punk cavernícola, techno en pañales o sacar -manifiesto mediante- líderes de opinión underground que siguen siendo referencias magnánimas de independencia. Hablo de Einstuerzende Neubauten. Siguiendo con la actualidad, también hay que estar al loro con la vuelta de DAF a los escenarios.

Keine Ahnung en directo (1983)

Entre tanto grupo mítico y vaivenes de géneros, hoy quiero destacar una canción que me obsesionó durante algunos años y que si se tercia cae de vez en cuando. Un potente single con una trepidante caja de ritmos y melodía semi-gótica que me turbó en mis años "industriales" de adolescente.
Keine Ahnung, traducido algo así como "no tengo ni idea", grabaron su primer LP, el que incluye esta canción, en dos días. Plastik traspasó fronteras rápidamente y fue licenciada por East West, subsello de Cherry Red a los pocos meses. Beneficiados por el momento -DAF y Tuxedomoon son las influencias- grabarían dos LP's en 6 años, uno de los cuales nunca vio la luz y desaparecieron del mapa hasta 1995, año en el que se juntan y regraban el primer álbum para los nuevos fans que la banda adquiere tocando por centroeuropa. El maxi tiene tres versiones: una radio edit y dos extended en inglés y alemán. Un hitazo del 15 que bien merece una reedición.



Como curiosidad final cabe reseñar que el miembro fundador de Keine Ahnung, Hermann Kopp, fue el compositor tras la banda sonora de la peli gore Nekromantik así como en su flojita secuela.

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En la búsqueda de una analogía en el rock y sus piques entre líderes egocéntricos desde los años 60, no sería nada descabellado colocar a Frankie Knuckless al lado de la estatuilla de John Lennon para acabar diciendo que Ron Hardy tenía un aura de estrella rockera que Mick Jagger alcanzó a representar. Necesario de pies a cabeza para entender las pisadas firmes sobre las que se cimentó el house, en estado embrionario cuando daba sus primeras zancadas, que asomaba en los clubes americanos, sólo algunos pocos elegidos más merecen tantas reverencias en estas tres décadas de progresivas mutaciones musicales de dancemusic. Hardy fue, casi inconscientemente, un innovador, con una carrera corta e intensa pinchando en el seminal Music Box, club nodriza donde probaba sus experimentos caseros, cintas reel-to-reel y testpressings que en sus manos eran cócteles molotov lanzados ante una enloquecida audiencia que vivía la evolución de la música de baile en el momento y lugar adecuados. Nada me hubiera gustado más que estar ahí. Esos hechos fueron claves en la posterior evolución del house, tanto para bien como para -si lo hubo- mal.

Imagino que son pocos los que conocen la bizarra y perdedora historia de The Jellies, grupo inspirado por Talking Heads, B52's y demás bandas de la era de gran caudal de la new-wave que tan solo pudo grabar este single. El fracaso de todo lo que rodeó la edición y distribución del 7 pulgadas es una curiosa historia que el blog WMFU contó detalladamente hace un par de años (antes incluso de esta reciente reedición) y que trataré de resumir brevemente. El siete pulgadas se ha transformado en un precioso doce plagado de extras bajo el inconfundible savoir-faire del sello inglés Trunk que tanto nos gusta en el blog. Siguen quedando copias en stock en su tienda online.

Única foto que existe del grupo (1981)

Nos trasladamos a 1980: dos estudiantes recién graduados en Cambridge juntan el dinero que ganaron trabajando un verano entero para autoeditarse un single. En navidad de ese mismo año, tras meses ensayando versiones en su garaje, plasman sus ideas y prensan 1000 copias en su sello, Jelly Records, creado especialmente para la ocasión. Es curioso que ya en esos momentos nadie apostara por ellos. El desastre asoma por la puerta a las pocas semanas, ya que a pesar de tener el apoyo de ilustres como John Peel, que radia la canción en su programa no pocas veces, no logran vender más de 30 copias, ¡15 según algunas fuentes!. El resto de acetatos acabaron en vertederos de la zona de Cambridge. La historia de un fracaso artístico que ahora se dignifica, aunque seguro que a ellos les han entrado las risas. Sigan leyendo.

Descrito por los mismos músicos como "minimal-disco", el single es un magnífico cruce entre el rock minimalista sixties de The Monks y el disco-not-disco de Connie Case o Konk. La notoriedad masiva vino las yemas de los dedos de la leyenda de las juventudes sónicas Thurston Moore, que, después de encontrar un 7" perdido en una tienda lo pinchó ¡diez! veces seguidas en una fiesta durante el invierno de 1997. El maxi va con versión original, radio edit y tres remezclas contemporáneas, respetuosas y suficientemente dignas como para desembolsar las menos de 5 libras que cuesta el 12 pulgadas. Adelante.

Las historias se construyen a veces con muy poco. Aunque el encabezado del post contenga el número 6, esta historia habla por sí sola con 5.2 segundos, exactamente el tiempo que dura el solo de batería de Gregory C. Coleman durante sus años mozos en The Winstons. Dicen los expertos en esto, que tras Funky Drummer de James Brown, es el trozo más sampleado de la historia de la música, aunque recuerdo que hace unos años todo apuntaba a que ese mérito pertenecía a Kraftwerk. Afinen la oreja a partir del 1'26"

Chip E es uno de los productores esenciales del primer Chicago house a pesar de que pocos le nombran como tal. Relacionado muchas veces con Ron Hardy por esa maravilla de single bajo el alias de The It (Donnie), Irwin Larry -ese es su verdadero nombre-, fue el primer productor que se atrevió a meter las palabras "jack" y "house" en un mismo track. De su primer trabajo (Jack Trax, 1985) se vendieron mil copias en un solo día, gracias en parte al apoyo de la crew de Hot Mix 5 y Ralphi Rosario, lo que a la postre le llevaría a fichar por DJ International en un visto y no visto. Ese disco es uno de los grandes cotizados hoy en día; encontrar una copia es difícil a la par que caro.

Uno de los puntos fuertes de un sello pequeño es que trabajando bien todas las aristas -música, imagen de marca, el producto como conjunto indivisible- que forman cada lanzamiento, has dado un paso adelante para convertirte en "sello de culto", un término muy extendido entre el nerdismo trendy de nuestros tiempos. El producto bien tratado, a la postre, te dará más margen de beneficios. Vender una caja con 4 CD's a 35 euros está muy bien, pero, ¿qué tal si forramos la caja con polipiel y le cargamos un margen mayor? "De culto".

Frkwys vol. 4

Cuando Discodeine empezaron a sonar por los circuitos más in, Pilooski estaba en boca de todos con sus edits para todos los públicos, los que le reportaron gran fama y mejor caché internacional. El proyecto de Benjamin Morando, aka Pentile, y Cedric Marszewski, aka Pilooski, ha ido a más desde que se dieran a conocer con aquel magnífico Joystick (2008), en auge tanto por la calidad como por la buena promoción que de ello hace en el influyente blog Alainfinkielkrautrock. Con la puntería cada vez más afinada, nos entregan ahora una epopeya -en su versión extended, claro- discoide con la voz estelar de Jarvis Cocker. Intuyo que esta colaboración da continuidad al acercamiento previo que Pilooski y Cocker tuvieron no hace mucho en forma de remix, tumbado a última hora por la compañía del inglés y que te puedes descargar gratuitamente desde su web. Una pena que no tuviera edición en condiciones.

Pilooski & Pentile

Tras la colaboración con Matias Aguayo en Singular, con un sonido cercano, de toque más profundo quizás, a Rebolledo y la troupe Cómeme, se anuncia otro maxi para noviembre, en esta ocasión, el invitado pone al servicio de los franceses su excepcional charme para redondear un single que funciona a las mil maravillas, ese instant classic que necesitamos cada año para llenar líneas de revistas, representando la segunda colaboración en menos de 4 meses entre los franceses y el ex-cantante de Pulp. No terminan aquí las colaboraciones, ya que la edición del 12" va con los gastos compartidos entre DFA y Dirty. Con todo el material ya grabado y sumándole cosas como ésta, Pilooski y Pentile están terminando de encajar las piezas que contendrá el LP de Discodeine, previsto para principios de 2011, tal y como el mismo Cedric confirmó recientemente. Hay ganas, se lo aseguro.

  Discodeine - ‘Synchronize (feat. Jarvis Cocker)' by Last Gas Station

"Aphex Twin hace un DJ set para el cierre de Space Ibiza" es una de las frases más enloquecidas y con más connotaciones simbólico-metafórico-alquimistas de la historia de la electrónica. Aphex ha pinchado de rodillas, ha metido a su novia, embarazada, debajo de la mesa de mezclas mientras él pinchaba de rodillas. Ha proyectado imágenes de autopsias mientras actuaba en festivales. Dicen que ha tirado huevos podridos desde la ventana del edificio de enfrente -quizá de rodillas y con su novia no embarazada a su lado- a las colas que se formaban para entrar al Fabric londinense por el repelús que le daba ese club y esos clubbers.

Me resulta increíble que en ningún sitio castellanoparlante en internet se mencione esta joya. Para mí estamos ante uno de los debuts del año. The Simonsound son Simon James, afamado productor e ingeniero de sonido londinense, y Matt Ford, aka DJ Format, b-boy y DJ de altos vuelos.

El álbum, sólidamente forjado con sintetizadores vintage, modulares rocosos, acero de osciladores kilométricos en mesas no menos kilométricas, arpegiadores de bronce, theremins cristalinos, el imprescindible Ableton, algunos Moog, o el mítico y robusto Macbeth, es una rara avis en el mercado discográfico actual.

 

Dice la pareja protagonista que muchos de los sonidos están extraídos de la Chappell Music Library de Universal (previa autorización y pago, aquí no se libra nadie) e inspirados en films de espías rusos, misiones de exploración espacial de la NASA, la Radiophonic Workshop de la BBC y programas de radio y televisión de los años 60 y 70. Es precisamente de esos programas de donde se sacan muchos de los samplers vocales que Reverse Engineering contiene. El conjunto de canciones transmite una sensación parecida a la de darse un viaje junto a Pierre Henry en un vehículo lunar por el ártico mientras una colonia de pingüinos comandados por Bruce Haack nos observa desde la lejanía. Para los desprovistos de visión periférica (alguien que no esté muy introducido en la library music, por ejemplo) son canciones de esqueleto experimental, envoltorio electrónico y clara vocación soundtrack. Para los que cuenten con un gran angular, las referencias son como autopistas de cinco carriles por los que cambiamos de un lado a otro al antojo de los músicos, a veces a rebufo de un camión, otras adelantando en quinta y sin el intermitente puesto.

Arranca el disco con Tour De Mars, versión sci-fi de Tour de France de Kraftwerk plagada de sintes analógicos y vocoders alterados genéticamente, seguramente una de las mejores versiones de la canción que he escuchado en años. El theremin y el xilófono llenan huecos y marean nuestras cabezas en la exoplanetaria Inside The Capsule mientras la única quitarra del disco se acopla de manera natural con un sitar en The One That Get Away, la pieza más alejada del conjunto. Bakers Dozen o Lunar Ascent y su theremin funkoide encajarían perfectamente en el catálogo de DC Recordings, entretanto, Bad Love, único track del total de las 14 piezas que componen el disco, cantado y con estribillo, parece sonar a cruce entre los Portishead más satinados y una Bjork inmersa en una bañera de purpurina bajo un manto de cuerdas y susurrantes vientos. Entre mis favoritas las más ambientales del pack: Against The Clock, brillante y misterioso jingle de dos minutos plagado de sonidos de carrillones suizos y nítidos tic-tacs, y las dos partes de Call Of The Siren, entre Global Communication, Brian Eno y Tangerine Dream. 

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El álbum se cierra como empieza: versión extraterrestre de It's Just Begun de Jimmy Castor Bunch que sirvió de adelanto a finales de 2009.

Un muy recomendable trabajo de retrofuturismo versión 2010, digno representante moderno de la añeja library y sucesor de los mágicos momentos que Delia Derbyshire, John Baker & cia, inspirados en Raymond Scott y sus nanas experimentales, nos brindaron durante los años 60 en los estudios de Maida Vale bajo el inmenso paraguas corporativo de la BBC. Estaría bien que alguien les montara una gira por España.

 

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The Simonsound: Inside The Capsule